《江南·十二场欢聚》：一次对“舞台还能怎么被使用”的集中实验,少林僵尸

2月8日，央华戏剧年度舞台作品《江南·十二场欢聚》在苏州湾大剧院首演落幕。这部作品的“新”，并不只体现在题材选择上——它更像一次对“舞台还能怎么被使用”的集中实验：用舞台语汇去制造奇观、用视听结构去重建叙事、用当代观众的感官逻辑去重新组织传统文化的出场方式。它试图回答的并非“江南是什么”，而是“今天的剧场，如何把江南变成一种能被当下真实接收的现场经验”。

央华戏剧年度舞台作品《江南·十二场欢聚》在苏州湾大剧院首演落幕。

一次明确的选择：不复刻，而是“重组江南”

在许多地方题材或传统文化题材作品中，最容易陷入的惯性，是“写实复刻”：堆叠符号、点名典故、追求还原。但《江南·十二场欢聚》从一开始就把方向放在“重组”——它强调的是一种“抽象国风美”，用虚实交织的舞台空间，把江南从风景名片转译成可触的舞台结构。

因此，观众看到的并不是“一个准确的园林”，而更像“园林被重新扭曲后的舞台装置”：小桥流水在，但被重新拼接、被放大、被折叠；路径、层次、透视被重新安排，形成一种带陌生感的视觉冲击。舞台不再只是背景，而成为叙事本体：人物的出入、段落的切换、情绪的起落，都被“空间”牵引着发生。

中国评论家协会原副主席毛时安在观看后提到：这部作品“创作了一种我们没有见过的、全新的、带有某种舞台奇观、剧场奇观的演剧样式”，其舞台看似是苏州园林“小桥流水”，却经过“巴洛克式的、重新扭曲的组合”，由此生成了新的感受路径。——这段判断的价值在于：它把“新”从概念拉回到舞台工作本身，落在“组合方式”与“视觉逻辑”的突破上，而不是停留在题材口号。

中国评论家协会原副主席毛时安在观看后提到：这部作品“创作了一种我们没有见过的、全新的、带有某种舞台奇观、剧场奇观的演剧样式”。

古今对话不是噱头，而是叙事装置

《江南·十二场欢聚》的核心叙事设定，是两位民国时期的年轻女性——达生与蓉镜——与跨越不同时代的江南文化名人“隔空相遇”，以对话展开。这种“古今交错”的设置，常见风险是：人物变成文化展板、对话变成知识输出。但多位评论者都注意到，作品选择了“通俗化、年轻化、可爱化”的路径：不把历史人物供在“圣坛”上，而让他们在被戏谑、被检视、被重新置放的过程中，重新获得可交流的温度。

文艺评论家程辉指出，作品“充分调用舞台特有的优势语汇”，在“刺穿神话化的圣坛高洁”的同时仍保持敬意；导演手段“不拘一格”，以空间介入叙事、以视听冲击带动情感，从而避免同类题材易陷入的“人物高冷”的问题。它明确点出了作品对“历史题材舞台化”老问题的主动规避——不是靠艰深引导观众，而是用舞台机制让观众“先进入”，再产生追问。

作品用舞台机制让观众“先进入”，再产生追问。

训练与整合：群像如何在有限时长里站住

群像戏最难的不是人物多，而是“人物多仍然清晰”。《江南·十二场欢聚》里，十三位人物同台并置，如果只是堆叠出场，观感会迅速塌陷。上海戏剧学院原院长荣广润特别提到：灯光、节奏变化“把握精准”，人物出场与行动的连贯处理“清晰”，让观众能对十二位（江南名士）形成清楚认识并不容易；同时，13位男演员“一半以上是素人”，但台词、形体训练到位，在舞台处理的帮助下完成了历史感的建立。

这背后对应的是项目长期“学习型演员团队”的训练机制：该项目被公开定义为“三位一体”的文旅融合项目——综艺选拔、舞台大戏、在地文旅内容开发联动推进。 也正因其链条更长，舞台呈现更需要“系统性组织能力”，从表演训练到舞台调度，从舞美结构到灯光节奏，环环相扣。赵海风（中国歌剧舞剧院剧目创作部主任）把它概括为“广度与整合能力”：作品并置多位人物并非简单堆叠，而是先确立共同核心，再向外发散，组织出清晰且令人满足的观演体验——这其实是在肯定它的“结构能力”，而非只肯定“元素丰富”。

作品并置多位人物并非简单堆叠，而是先确立共同核心，再向外发散。

视听系统：舞蹈、音乐不再是装饰，而是叙事发动机

《江南·十二场欢聚》一个显著特征，是舞蹈贯穿始终。这里的舞蹈“不属于任何舞种”，古典舞、现代舞、街舞的界限被淡化，转为“为这部作品高级私人定制”的身体表达，舞蹈与文本、音乐、舞美共同构成完整的舞台叙事。这类处理的优点是：它能把“文化信息”从概念降落到身体，让观众不必先理解典故，也能先被节奏与气息带入；但难点在于强度控制——舞蹈如果只追求连续刺激，会吞没人物与情感。

音乐系统同样承担叙事功能。作品音乐从“神秘宏大”到“幽默温暖”，最终汇入“欢聚”的情绪高潮；作品还尝试把古诗词与AI生成技术结合用于原创歌曲的表达。这些元素使得，它的“年轻化”并不靠简单的流行元素贴片，而是把“当代节奏”写进音乐结构里——这会直接影响观众的生理节奏与注意力分配。

作品音乐从“神秘宏大”到“幽默温暖”，最终汇入“欢聚”的情绪高潮。

年轻观众不是“被迎合”，而是被认真对待

华东师范大学历史系教授许纪霖在观后提到：当下年轻观众更需要“情绪价值”，需要一种剧场的“多巴胺主义”，《江南·十二场欢聚》抓住了这一点，融话剧、舞剧、音乐剧于一台，兼具时代感与时尚感。放回剧场现实，它点出的是行业难题：线上娱乐高度发达的环境下，舞台必须给出“剧场外得不到的体验”。换句话说，年轻观众不是更浅，而是更挑剔——他们不缺信息，不缺故事，缺的是“现场强度、感官组织、情绪兑现”。

《江南·十二场欢聚》以江南文化为线索，为当下处在不确定中的年轻人提供一种可回望、可追问的文化入口，这种意义不只停留在市场层面。这类表述真正可贵之处在于：它把“年轻化”从“流行趣味”上移开，回到“价值入口”——不是讲大道理，而是提供能继续探索的路径。

《江南·十二场欢聚》以江南文化为线索，为当下处在不确定中的年轻人提供一种可回望、可追问的文化入口。

把“江南”从名词变成动词

从目前可见的首演反馈信息来看，《江南·十二场欢聚》最重要的贡献，并不是“又讲了一个江南故事”，而是把江南作为一种可被舞台重新生成的“方法”：它用扭曲重组的园林结构制造陌生感，用古今并置的对话装置拉出追问，用舞蹈与音乐把文化信息落到身体与节奏，用群像组织能力保证观众的清晰接收——最终，让“江南”不再只是被观看的对象，而成为一套推动现场发生的动力系统。

也正因此，它值得被讨论的不只是“好不好看”，更是：当我们谈舞台创新时，究竟在谈什么？如果创新只是技术堆砌，很快会被更新的设备替代；但如果创新是“舞台工作技法与叙事结构的同步突破”，那它才可能真正走向未来——并且成为更多创作者可借鉴、可继续推演的起点。

新京报记者 刘玮

编辑 徐美琳

校对 赵琳